Postagem 3

E se pensarmos o cinema atuando não de forma direta, com filmes com objetivos políticos evidentes, como vimos nas postagens anteriores, mas como uma forma de difundir modos de pensar, usos, costumes, moda, comportamento sexual, padrões de beleza específicos aliados à propaganda e ao consumo?

Aí entramos em uma discussão fascinante que tem a ver com os conceitos de star-system (sistema do estrelato) e studio-system (sistema de estúdios) conforme foram desenvolvidos por Edgar Morin no livro As Estrelas de Cinema. No sistema de estrelato e no sistema de estúdio, desenvolvido pelos estúdios de Hollywood a partir da década de 1930, as estrelas de cinema (homens ou mulheres) são produzidos para atender aos desejos mais profundos e, segundo Morin, mais recalcados dos espectadores. Criando tipos que se repetem filme após filme (boa esposa, mulher má e sedutora, homem protetor e heróico, vilão, amiga da mocinha, amigo do mocinho etc etc), este sistema nos lembra o tempo todo que a estrela de cinema é ao mesmo tempo imaterial e real, pois produz comportamentos e expectativas – e consumo – nas massas que têm no cinema o seu mais importante lazer, especialmente nas décadas de 1940 e 1950.

Escrevi bastante sobre isso no meu livro Poeira de Estrelas, que saiu pela Editora da Unicamp – pra quem tiver curiosidade de ver.

Nesta postagem, queria abordar a idéia de um cinema de sonho e fantasia, de exagero e romantismo exacerbado: o cinema explorado pelo gênero dos musicais.

Se a questão é falar de exagero...basta olhar as cenas dos filmes de Esther Williams, que fazia suas performances...nadando! Hoje as cenas e os cenários nos parecem risíveis, mas elas são a marca do exagero quase carnavalesco que habitou o imaginário naquele momento. O conjunto de cenas foi tirado de um documentário chamado That´s Entertainment, que na década de 1970 celebrou o cinema hollywoodiano clássico. Aguentem até o fim!

http://www.youtube.com/watch?v=9jUjhrDhFuM

Mas vamos falar de boa música e de boa dança?

Deixo aqui para vocês algumas cenas que considero fantásticas, espero que vocês assistam a todas:

Começo por um classicão, o cantor e dançarino Fred Astaire – que tinha um estilo todo sofisticado e gentleman de se vestir, cantar e dançar. Sua parceira mais famosa foi a loira Ginger Rogers...aqui eles dançam Night and Day, belíssima canção de Cole Porter, do filme A Alegre Divorciada (The Gay Divorcee, de 1934).

Estamos na Grande Depressão...e ainda falando em divórcio? Vejam que bonito.

http://www.youtube.com/watch?v=YV5e7mWcQJE

Já nesta cena Fred Astaire dança Puttin´ on the Ritz (canção linda de 1929 que ele dança aqui no filme Blue Skies de 1946 – esqueci como traduziram este filme pro português, alguém sabe?)

http://www.youtube.com/watch?v=ibVLswVdStw&feature=related

Ainda dele, a famosa cena de uma dança pelo teto em Núpcias Reais (Royal Wedding, 1951). Eu era criança a primeira vez que assisti, pois passava na TV de tarde, e fiquei extasiada e, adivinhem...estamos em 2011 e ainda dá para a gente ficar imaginando como a cena foi feita...

http://www.youtube.com/watch?v=Y8n7WQIXQDs

E com a dançarina das pernas mais longas do cinema, Cyd Charisse, em The Band Wagon (1953), em uma dança mais “sexy” e em uma mais romântica.

Reparem que a forma como o corpo dos casais se entrelaçavam era uma espécie de balé erótico, que fascinava as platéias que dava asas a imaginar aquilo que a censura não permitia representar (afinal, estava em vigor o Código Hays de censura).

http://www.youtube.com/watch?v=yuJxYmJlEHY

e

http://www.youtube.com/watch?v=duLFwcsc6Nc&feature=related

Reparem também que este pessoal que faz curso de dança de salão e atormenta as festas de casamento alheias não sabe nada da vida...

Continuando: quero também falar do meu ator-dançarino preferido, Gene Kelly.

Esta cena vocês já devem ter assistido alguma vez, mas picadinha, espremida em algum especial sobre cinema. Vale a pena assisti-la toda. É de Cantando na Chuva (Singin´in the Rain, de 1952), um filme fantástico sobre a história da passagem do cinema mudo para o cinema falado (é, Hollywood é muito auto-referenciada e adora falar de si mesma)

http://www.youtube.com/watch?v=rmCpOKtN8ME

Gene Kelly em Dançando nas Nuvens, de 1955 (It´s Always Fair Weather)....Notem, em contraponto ao estilo de Astaire, que Gene Kelly dança de um jeito mais divertido e mais viril, uma dança menos sofisticada e mais baseada em equilíbrio e força física.

http://www.youtube.com/watch?v=Aus1PA5-SyI&feature=fvsr

E num dueto com o excelente e subestimado Donald O´Connor na canção "Moses Supposes", também de Cantando na Chuva, quando têm que aprender a falar com dicção, já que o cinema tornara-se sonoro.

http://www.youtube.com/watch?v=tciT9bmCMq8

Aliás, vejam um número solo de Donald O´Connor no mesmo filme (nesta eu quero que vocês reparem que o pessoal que faz dança de rua também sabe nada da vida....)

http://www.youtube.com/watch?v=FW02c5UNGl0

Quero me despedir de vocês com essa. Reparem a suavidade com que Fred e Ginger dançam a Smoke Gets in your Eyes, que dá nome a nosso blog. É do filme Roberta, de 1935.

http://www.youtube.com/watch?v=OMOBdQykKQY

Em tempo! Fellini fez um belíssimo filme referindo-se ao casal Fred Astaire e Ginger Rogers, interpretados respectivamente pelos grandes atores Marcelo Mastroiani e Giuletta Masina.O filme chama-se Ginger e Fred (1986) e mostra a decadência daquele cinema ( e romantismo) sendo predados pela TV. Vale muitíssimo a pena, mas para sentir, tem que assistir uns belos musicais hollywoodianos antes - ou pelo menos os trechos que trouxe aqui pra vocês...

Até.

Postagem 2

Continuando...

E em que tipo de cinema pensava Walter Benjamin, como contraponto ao cinema da estética nazista ou o cinema de entretenimento de massas de um Chaplin ou de um camundongo Mickey, quando finaliza seu texto apontando para um cinema com capacidade de transformação social e política? Seguramente, referia-se ao cinema soviético como o de Serguei Eisenstein (1898-1948), que realizou filmes de grande impacto estético tais como A Greve (1924), O Encouraçado Potemkin (1925) ou Outubro (1928).

Falamos assim de um cinema que ficou conhecido na clássica história do cinema como cinema construtivista, no qual imperava a técnica da montagem, feita a partir de diferentes planos, focos e sentidos. Há muitos expoentes deste cinema, que se alinhava à revolução estética russa das primeiras décadas do século XX, sendo os mais conhecidos Dziga Vertov (1896-1954) e o próprio Eisenstein. Vertov fundou o movimento cine-olho e a revista Kino-Pravda (cinema-verdade) mostrando que a imagem era fabricada, criada pela interferência do diretor, dos técnicos, da iluminação etc. A imagem não era, assim, a documentação de uma realidade única. Eisenstein defendia o mesmo ponto de vista.

Permitam-me um parágrafo sobre o conceito de montagem tal qual Eisenstein o concebeu: para ele, os planos funcionavam como unidades autônomas, como “células” que, uma vez animadas por um princípio, passam a ter efeitos sobre o espectador, como se fossem choques. Eisenstein havia trabalhado com teatro e tinha um fascínio especial pelo teatro oriental kabuki, assim como pela poesia haiku (os haikais, poesias de três linhas). Em um de seus textos sobre cinema, Eisenstein dá o exemplo do seguinte haikai:

Um corvo solitário

sobre um galho desfolhado

numa noite outonal

e sobre isso comenta que cada frase do poema pode ser considerada em si uma “atração” (como se fosse uma atração de circo), e que a combinação das frases equivale à montagem. Cada verso colide com o próximo, e o efeito unificado quem realiza é a mente. Por isso, por exemplo, no filme A Greve, Eisenstein justapõe imagens como o rosto de um homem, uma raposa, uma multidão, um touro sendo morto. Parece não fazer sentido, mas cada imagem produz um forte estímulo e a mente cria as ligações.

[para quem quiser saber mais sobre o assunto, recomendo ler o próprio Einsenstein A forma do filme, Jorge Zahar, 2002; ou algum estudo sobre ele, como Eisenstein e O Construtivismo Russo de François Albera (Cosac & Naify, 2002]

Voltando ao nosso assunto: deixo aqui uma cena célebre (talvez a mais célebre) do filme Encouraçado Potemkin. Sugiro que vocês assistam e só depois leiam a continuação do post.

http://www.youtube.com/watch?v=LDKKN-KILIY

Vamos lá: O Encouraçado Potemkin foi realizado para comemorar os 20 anos do levante de 1905, precursor da revolução de 1917. O filme, dividido em cinco partes, narra o motim ou revolta da tripulação do navio Potemkin no porto de Odessa. A população apóia a revolta e é massacrada pelas tropas czaristas (a parte que vocês assistiram). O processo é visto como a semente da revolução bolchevique; não há heróis individuais, mas tipos com rostos marcantes, que não eram artistas profissionais.

Observem que no trecho assistido (conhecido como a escadaria de Odessa), a mesma ação é repetida várias vezes, o que aumenta a sua intensidade. A sombra opressora das pernas e botas dos soldados czaristas se estendem pelos degraus; as faces aterrorizadas da mãe do bebê e da velha que tem o olho atingido pela bala são imagens de horror, que ficam associadas ao regime czarista. Assistam mais uma vez a seqüência para observá-la agora após estes comentários.

Postagem 1

1.

(cochichando): No texto “A obra de arte na era de sua reprodutibilidade técnica” de 1936, Walter Benjamin (1892-1940) (erguendo a voz) estabelece um debate sobre a questão estética trazida pelo cinema, relacionada à crise radical do sistema tradicional das artes. Neste texto, aborda a perda da aura (pois as técnicas de reprodução ao mesmo tempo em que tornam os objetos mais acessíveis nos afastam do autêntico e da esfera da tradição). As massas podem não possuir o objeto, mas possuem a sua imagem. E, conforme estabelece, o agente mais poderoso deste processo é o cinema, que, como ele observa no caso do cinema fascista, funda-se numa percepção distraída e coletiva do público.

Assim, nesta postagem 1, vamos assistir o trecho inicial de Triunfo da Vontade, documentário realizado pela cineasta Leni Riefenstahl “retratando” a Convenção do Partido Nacional Socialista dos Trabalhadores Alemães (Nationalsozialistische Deutsche Arbeiterpartei ou NSDAP), ou, para sermos claros, a Convenção do Partido Nazista no ano de 1934 na cidade de Nuremberg. O filme estreou em 1935. Documentário, propaganda política, manipulação das massas pelas imagens: todas estas palavras se aplicam a esta obra perturbadora. Benjamin chamou este uso da imagem de “estetização da política”.

Vou deixar aqui o trecho inicial. O restante, vocês encontram pela internet também. Reparem ao longo do documentário toda a construção ritualística dos símbolos nazistas, o uso das multidões e como a câmera sempre projeta Hitler, que interpreta a si mesmo, ao alto, rodeado e saudado pelas massas, e como grande líder.

http://www.youtube.com/watch?v=j1HBl87IBe0

Sobre este filme, Luiz Nazário, um estudioso de cinema do qual vocês encontrarão vários livros, comentou:

“A câmara apanha, em angulações estáticas e simétricas, as insígnias das tropas formadas por gigantescos blocos. Em tomadas de baixo, ascendendo pelos mastros das bandeiras, sublinha as dimensões colossais do congresso. Travellings ao longo das formações militares acentuam a rigorosa ordem. Só, Hitler percorre o longo espaço vazio entre as formações do exército. Elevado acima deles à altura de uma casa, domina o mabiente desde o palanque. Não é mais possível distinguir se a câmara apanhou uma parada militar real ou se tudo foi apenas encenado para ela. O verdadeiro congresso do partido realizou-se comente no cinema: o filme criou o congresso”

( retirado do livro de Luiz Nazário - De Caligari a Lili Marlene. São Paulo, Graal, 1983, p. 51)

E sobre o primeiro trecho do filme, que indico aqui para assistirmos, deixo o comentário de historiador Alcir Lenharo, que foi docente da Unicamp (e meu orientador de mestrado) e que deixou, entre outros, um notável pequeno livro cuja leitura atenta recomendo a todos vocês, intitulado “Nazismo, o triunfo da vontade”, lançado pela Ática em 1986.

“Nas primeiras seqüências de O Triunfo da Vontade, Hitler chega de avião como um esperado Messias. O bimotor plaina sobre as nuvens que se abrem à medida que ele desce sobre a cidade. A propósito dessa cena, a cineasta escreveria: “O sol desapareceu atrás das nuvens. Mas quando o Führer chega, os raios de sol cortam o céu, o céu hitleriano”. Pelas imagens mágicas e aliciantes de Riefenstahl, o Führer se porta como um demagogo/pedagogo que, feliz, conduz as massas para onde desejar.”

(Alcir Lenharo, Nazismo o Triunfo da Vontade, São Paulo: Ática, 1986, p. 60).

Abraço e até a próxima postagem...aguardo vossos comentários.

Cinema, imagem e poder

Classe querida

Vou realizar uma série de postagens aqui em nosso blog, relacionadas aos temas que temos estudado. Mas, em respeito à mobilização dos estudantes (que, posso dizer com tranqüilidade, considero justa e coerente) e dados os últimos sérios acontecimentos vividos pelo movimento estudantil, pensei em trazer reflexões sobre a questão do cinema, da imagem e do poder, abordando temas como censura (política e moral) e a relação imagens e mídia entendida como manipulação.

Não são aulas, nem textos meus ultra elaborados. São para mim uma forma de continuarmos em contato ao longo dos próximos dias e de utilizarmos as nossas reflexões sobre a imagem dentre de nossa realidade imediata.

Por favor sintam-se à vontade para usar o espaço dos comentários ou novas postagens.

Cristina.

This Film Is Not Yet Rated

Olá pessoal!
estou aqui para mostrar um documentário que assisti recentemente. "This Film Is Not Yet Rated" é de 2006 e foi dirigido por Kirby Dick. Basicamente, esse filme discute e questiona a política utilizada pela Motion Picture Association of America (MPAA - http://pt.wikipedia.org/wiki/Motion_Picture_Association_of_America) para a classificação etária dos filmes americanos e como isso afeta a cultura dos EUA. É interessante pois nos força a pensar o porquê de um filme receber a classificação NC-17 e outro receber um R, por exemplo. Para melhor entendermos:

* Os filme são classificados em 5 categorias: G(eneral), P(arental)G(uidance), PG-13, R(estricted), N(o)C(hildren)-17.
* G: todas as idades são permitidas. Equivale a nossa classificação Livre;
* PG: merece atenção dos pais. Algumas cenas podem não ser adequadas para crianças;
* PG-13: não recomendado para menores de 13 anos;
* R: menores de 17 anos dever ser acompanhados dos pais ou responsáveis;
* NC-17: proibido para menores de 17 anos.

Entre as discussões a cerca dessa classificação, o diretor questiona: por que alguns filmes com cenas de sexo heterossexual recebem classificação R e outros com cenas sexuais homossexuais recebem NC-17? Por que cenas que mostram uma mulher tendo prazer em determinada situação são mais censuradas do que quando são homens (ele mostra o exemplo do filme American Pie, que recebeu R, e do filme Meninos Não Choram, que recebeu NC-17)? Além disso, ele mostra como os filmes com forte apelo a violência são mais aceitos que os com apelo sexual.

E ao final fica evidente como um falso moralismo americano está muito presente na sociedade e como a mídia é uma enorme ferramenta de disseminação.

http://en.wikipedia.org/wiki/This_Film_Is_Not_Yet_Rated

Até mais!

Para dar uma de "artista"

Não sei se vocês já ouviram falar do Pollock, ele foi um pintor expressionista abstrato americano (quantos adjetivos numa frase só!). Não vou me estender muito no assunto até por uma falta de conhecimento a respeito, mas se vocês forem atrás de suas telas vão reparar que elas parecem apenas gotejos despropositais de tinta. Fui um pouco mais atrás e descobri que ele para fazer seus quadros coloca a tela no chão e andava em torno dela e de fato "atirava" a tinta.

Eu sei que parece que eu estou falando um monte de coisas sem motivo algum, mas agora sim eu estou chegando no meu ponto: eu descobri há alguns anos um site que você podia "dar uma de Pollock"!

http://jacksonpollock.org/

Basta passar o mouse pela tela, para trocar de cor clique com o botão esquerdo e é isso aí!

Bom, eu achei bem divertido, espero que vocês gostem.

:)